La música que me gusta #34: Especial Navidad (I)

Quien me conoce sabe que odio la Navidad, pero no es mi pretensión explicar aquí por qué ni polemizar con nadie, así que lo resumiré diciendo que pese a ese odio, sí que me gustan unos cuantos 'villancicos', y me gusta el hecho de relacionarlos con una época invernal del año. Que suenen mientras nieva, nosotros nos quedaremos por ahora en casa encendiendo la chimenea y calentando algún bebedizo.

1.- John Lennon - Happy Xmas (War Is Over)

En 1971, con los Beatles ya escindidos, John saca junto a la siempre odiada Yoko Ono y la Plastic Ono Bandel single Happy Xmas (War Is Over).



De él me sigue gustando la mala leche que destila y el magnífico coro infantil del Harlem Community Choir, soberbiamente pegadizo.
Aunque cuando la compuso se refería obviamente a la guerra de Vietnam, el tiempo y el público han hecho que se quede como icono sonoro pacifista para todas las navidades desde entonces hasta hoy. El título hace referencia a una campaña que hicieron John y Yoko a finales de 1969 (dos años antes del single) en la que contrataron letreros publicitarios en capitales como New York, Los Angeles, Toronto, Roma, Atenas, Ámsterdam, Berlín, París, London, Tokyo, Hong Kong y Helsinki para lanzar en ellos el mensaje "War is over, if you want it, war is over, now! Merry Christmas from John & Yoko". Obsérvese aquí.

En el anecdotario decir que el tema empieza con John susurrando una Feliz Navidad a sus hijos Kyoko y Julian, es de lo poco que guardan de él (y una jugosa cuenta bancaria); que su productor es el hoy preso por asesinato Phil Spector; y que no se sabe quién toco el bajo en la grabación: Le tocaba hacerlo a Klaus Voormann, pero su avión se retrasó y le suplió uno de los cuatro guitarristas de la Plastic Ono Band (Hugh McCracken, Chris Osborn, Teddy Irwin y Stuart Scharf)
pero no se registró quién en concreto.

El single fue añadido al álbum de recopilación Shaved Fish en 1975, pero no sería hasta su reedición como single las navidades de 1980 (unos días después de su muerte, claro) cuando alcanzara un #2.
De las -literalmente- más de 50 versiones que se han hecho de este tema (Sarah McLachlan, Maroon5, The Corrs...) habitualmente añadiéndole mucha más azúcar de la necesaria, destacaré, por mero frikismo, la de Beatallica, un grupo estadounidense famoso por cantar canciones de los Beatles imitando el estilo de Metallica hasta en las voces. No se le puede pedir más de lo que ofece, y por eso me gusta:




2.- Shakin' Stevens - Merry Christmas Everyone

Ojo a la horterada. No lo puedo remediar, no hace mucho que la descubrí, es superochentera en lo peor, naive y todo lo que queráis, pero es que me parece divertidísima.



El pavo en cuestión es Shakin' Stevens (nacido en 1948 como Michael Barret en un suburbio de Cardiff, por tanto galés) y aunque apenas hemos escuchado nada suyo a este lado de los Pirineos, con este tema se hizo el rey de la navidades de 1985. Aunque iba a ser lanzado en el año anterior dentro del mítico álbum de colaboraciones Band Aid' en el que hubiese quedado eclipsado por otros temas, un problema burocrático le obligó a posponerlo un año, lo que le dejó la lista de éxitos navideños toda para él solo.
Es uno de esos temas que transmiten optimismo pese (y gracias a) su superficialidad. Un bombón relleno de culpabilidad hay que permitirse de vez en cuando, ¿o qué?.


3.- The Pogues (con Kirsty McColl) - Fairytale of New York

Grabada en 1987 por los irlandeses The Pogues (creo ya haber comentado alguna vez que estoy convencido de que su cantante -Shane MacGowan- es el tío más feo de los '80 de largo) este ebrio poema urbano ha sido elegida en numerosas ocasiones como la 'Mejor Canción Navideña' según los rankings que hacen los programas de radio y televisión en estas fechas.



La canción habla de un borracho que rememora, en el calabozo en el que pasa la nochebuena, una relación amorosa que se frustró por el alcohol y las drogas. Muy navideño, no digáis que no.
El single alcanzó en las navidades de 1987 el #1 en Irlanda, y el #2 en el Reino Unido. No pudieron desbancar al Always On My Mind de Pet Shop Boys lo que provocó la famosa frase de McGowan. "Fuimos derrotados por dos reinas y una caja de ritmos". Reeditaron el tema en 1991 llegando al #36 y posteriormente en 2005 llegando hasta el #3, desde entonces hasta la actualidad todas las navidades reentra al top40 de ventas anglosajonas.
Jódete Raphael y tu puto tamborilero.

Hasta aquí por hoy, otro día sigo.

La música que me gusta #33: Tears for Fears

En un Top10 de mis grupos favoritos muy posiblemente entrara el grupo que formaron a principios de los '80 Roland Jaime Orzabal de la Quintana (más conocido como Roland Orzabal) y Curt Smith, Tears for Fears.
Ambos se conocían de la escuela en Bath, y a finales de los '70 formaban parte de un grupo más numeros de influencia mod, llamado Graduate del que apenas quedan vestigios.

Bien es cierto que con el single Elvis should play ska (refiriéndose a Elvis Costello, no Presley) llegaron a sonar en algunos locales alternativos de España y Suiza, pero no alcanzarían notoriedad hasta que en 1981 se separaran del grupo para crear History of Headaches, que luego renombrarían como Tears for Fears, abandonando la estética mod y dejándose influenciar por gente como Talking Heads, Peter Gabriel o Brian Eno.

Tears For Fears - Pale Shelter

Su primera discográfica es Phonogram, que les produce los tres primeros singles Suffer the Children (en noviembre de 1981), Pale Shelter (marzo de 1982) y Mad World, que alcanzaría el UK Top3 en noviembre de 1982 y que les empujaría a grabar su primer larga duración, The Hurting.
El álbum, que vio la luz en marzo de 1983, alcanzaría el #1 en Gran Bretaña, el #20 en buena parte de la Europa continental y se mantendría en las listas un total de 65 semanas.

tears for fears - Mad world

Muy posiblemente a más de un@ le suene el tema Mad World en una magnífica versión, mucho más tranquila, que grabara Gary Jules mucho más recientemente y que fue usada para el spot de un apocalíptico videojuego de consola:

gary jules-Mad world-TearsForFears-cover

The Hurting, es considerado como su único álbum conceptual, con bases sintetizadas y un sonido más intimista de lo que vendría después. Sus singles se cuelgan en las listas de éxitos de todo el mundo y les cuesta salir de ellas. Por ejemplo, este Change fue Top40 durante semanas en Australia, Canada, Irlanda, Italia, Holanda, España y Suráfrica.

Tears For Fears Change

Hacia finales de 1983 graban un nuevo single, The way you are para seguir en las listas mientras van grabando el segundo álbum. El single aunque llega a ser Top30 en UK les hace ver que necesitan un cambio de orientación si quieren evolucionar y progresar, por lo que en noviembre de 1984 sacan el single Shout que les volvería a llevar a lo más alto de las listas mundiales y les allanaría el camino de su segundo LP, Songs From The Big Chair.

Tears For Fears - Shout

El álbum sale en febrero de 1985, escala directamente hasta el #2 de ventas y permanecería en los puestos altos de la lista durante un año entero.
El mismo Shout sería nº1 en USA, Australia, Canadá, Alemania, Holanda, Suiza... y Everybody wants to rule the World sería el single que más éxito les deparara en su Gran Bretaña natal, llegando al #2, lo mismo que en Irlanda y #1 en USA y Canadá.
El título del álbum lo sacan de una miniserie, Sybil, que narra las neurosis de una mujer con varias personalidades que solo encuentra consuelo en la 'big chair' de su psicoanalista. Con ello querían dar a entender que cada una de las canciones que lo componen tiene su propia 'personalidad', así como que la grabación del álbum había supuesto para ellos una 'terapia'.

Everybody wants to rule the world

Tras sacar el LP se embarcan en una gira que les mantendría de viaje todo un año. De hecho estaban citados a tocar en el mítico Live Aid, pero la misma mañana del evento, el 13 de julio de 1985, se anunció que no tocarían. La versión oficial dice que fue porque al guitarrista Andrew Saunders y al saxofonista Will Gregory se les había terminado el contrato con la banda, pero seguramente las verdaderas razones de su ausencia no las sepamos nunca. En compensación decidieron donar parte de los beneficios conseguidos en la gira, como los de los conciertos de Tokio, Londres, New York o Sidney.

Tears For Fears - Sowing

Tras un parón de un par de años para tomar aliento (que aprovechó Orzabal para colaborar en la BSO de Karate Kid II) en 1989 graban su tercer y último LP como dúo: The Seeds of Love. Una producción de un millón de libras que les endeudaría con la discográfica, un sonido que varía del jazz-blues al sonido Beatles y una colección de canciones escritas en su mayor parte por Orzabal junto con el teclista Nicky Holland lo llevan directamente al #1 en UK y al Top10 estadounidense. El álbum se grabó en buena parte en sesiones en directo en el estudio que después serían editadas.
En la gira del anterior álbum habían conocido a una pianista y cantante de un hotel/bar de Kansas City, Oleta Adams, a quien fichan para la formación. Ella será quien haga los coros en el segundo single extraído de Seeds of Love, Woman in chains, a la vez que llaman a Phil Collins para que grabe la batería.

Tears For Fears - Woman In Chains

Para solventar la deuda contraída se embarcan en otra gira interminable, como muestra el video-reportaje Going to California que graban durante el tour. A la vez siguen sacando singles como Famous last words o Advice for the young at heart que siguen entrando en los Top40 pero que no acaparan el éxito del anterior LP. De hecho aunque con Seeds of Love alcanzaron el #1 de ventas que nunca lograron con Songs From The Big Chair, vendieron más copias de 'Songs' que de 'Seeds' dada su larga permanencia en las listas.

"Advice for the young at heart"

La división entre Orzabal y Smith es ya patente y tras una agria discusión en 1991 deciden separarse. En 1992 Orzabal solo saca el single Laid so low (tears roll down) para promocionar el disco de éxitos Tears Roll Down (Greatest Hits 82-92) que incluye todas las canciones que hayan llegado al Top20 de cualquier país.
Smith, deprimido por la ruptura de su matrimonio con Lynn Altman (sí, sorprendentemente no es gay) se traslada a New York. Para finiquitar el contrato con la discográfica graba sin ganas un álbum en solitario, Soul On Board, que está condenado al fracaso.
Por su parte Orzabal saca en 1993 un nuevo LP aún bajo el nombre de Tears for Fears: Elemental que llegará al Top5 inglés y francés, pero no pasa de un discreto #45 en Norteamérica. El tema Break it down again que extrae como primer single no pasaría del #20 y los siguientes Cold, Elemental y Goodnight song apenas llegaron a pisar lista alguna.

Tears For Fears - Break It Down Again

En 1995 Orzabal, aún en solitario volvería a la carga con Raoul and the Kings of Spain, un álbum menos comercial que apenas obtuvo repercusión en ningún sitio. Le seguiría en 1996 Saturnine Martial & Lunatic, una recopilación de caras B y rarezas también sin éxito.
Ya en 1999 volvería al estudio de grabación para sacar un LP ya bajo su nombre propio, Tomcats Screaming Outside, en el que abandona casi por completo el sonido Tears for Fears y para pasarse a las bases electrónicas más oscuras. El álbum vio la luz en Europa en abril de 2001, pero desafortunadamente eligieron el 11 de Septiembre para lanzarlo en Norteamérica, lo que hizo que pasara totalmente desapercibido bajo el impacto mediático del ataque a las Torres Gemelas.
En el año 2000 obligaciones burocráticas hicieron que Orzabal y Smith tuviesen que reencontrarse por primera vez en casi una década. Logran superar sus diferencias y se reúnen para grabar el LP Everybody Loves A Happy Ending, en el que vuelven al sonido melódico que les dio fama y éxito veinte años atrás.

Tears for Fears - Closest thing to Heaven (clip)

El álbum sale en marzo de 2005 y el single Closest Thing to Heaven les da el primer UK Top40 en diez años ayudados por un bonito videoclip interpretado por Brittany Murphy. El concierto de Junio de 2005 en el Parc des Princes de Paris se convierte en CD y DVD bajo el título Secret World - Live in Paris y obtiene un buen resultado de ventas amparados por la moda retro-ochentera. Ultimamente se han dedicado a sacar copias remasterizadas de sus antiguas grabaciones y todo apunta a un nuevo álbum en breve. Esperaremos.

La música que me gusta #32: Simple Minds

El punk fue una moda musical y cultural de corto recorrido, apenas los tres años que van de 1976 a 1979, pero que dejó un profundo poso en el panorama musical posterior. Buena prueba de ello es la cantidad de grupos que siguieron su estela, el post-punk, Adam + The Ants, A Flock of Seagulls, o los inicios de Talking Heads son una pequeña muestra de ello.
Jim Kerr (voz), Charlie Burchill (guitarra, violín y saxofón) y Brian McGee (batería), eran tres amigos de la escuela católica de secundaria Holyrood R.C. en Glasgow. Formaban parte con otros compañeros de Johnny and the Self-Abusers, uno de los pocos grupos punk escoceses que han existido.
En 1978 los tres se separan del grupo y forman Simple Minds. El nombre de la formación lo sacan de la canción Jean Genie de David Bowie.
Sus primeros Lp's tiene un sonido que varía del euro-disco al rock-progresivo, del pop al punk, o del psicodélico al epic-rock que posteriormente explotarían U2.

Su primer disco, Life in a Day, ve la luz en 1979 y obtiene un resultado discreto, pero les coloca en el panorama musical. El mismo año publican el segundo LP, Real to Real Cacophony, y un año después Empires & Dance, en los que van descubriendo los acentos New Wave que los harían famosos en USA.
Su sonido, sobre todo debido al teclista Mick McNeil, que ya había trabajado con Trevor Horn o Rod Stewart, les hace parecer más integrados en la ola europea continental que en la británica. De hecho ya en 1980 Peter Gabriel les recluta como teloneros de su gira por Europa -que pasó también por España- lo que les proyecta más allá de sus fronteras con bastante éxito.

En 1981 cambian de discográfica y fichan por la Virgin, donde graban los álbumes Sons and Fascination (que incluía este Love Song que José María García utilizaría durante años como sintonía de su programa radiofónico deportivo) y Sister Feelings Call, que saldrían en formato de combo y posteriormente separarían para su venta individual.
En 1982 publicarían Celebration, un LP recopilatorio de los cinco trabajos anteriores, pero lo mejor estaba aún por llegar.

En ese mismo 1982, tras la deserción de McGee y su sustitución por Kenny Hyslop, editan New Gold Dream (81-82-83-84), bajo la producción de Peter Walsh, que incluiría este Promised you a miracle, que junto a Someone Somewhere In Summertime y Glittering Prize, les haría entrar con entidad en las listas americanas saltando del New Wave al New Romantic.
Le sigue Sparkle in the Rain, en febrero de 1984 un álbum en el que adquieren tonos más épicos y emocionantes y tras cuya grabación, Jim Kerr, el cantante, se casa con Crissie Hynde, vocalista de The Pretenders.

En 1985 graban para la banda sonora del film 'El club de los cinco' este (Don't you) Forget about me, que los haría famosos en todo el mundo, les llevaría al #1 americano y que interpretarían en el mítico concierto Live Aid ante mil quinientos millones de espectadores en todo el mundo. Sí, 1.500.000.000, no me he equivocado.
Curiosamente Simple Minds y The Pretenders compartieron escenario en la sede americana del concierto, el estadio JFK de Philladelphia. Por cierto, que el tema se lo ofrecieron antes a Brian Ferry y sus Roxy Music, que declinaron la invitación.

El grupo está en estado de gracia y en ese mismo 1985 publican su LP más comercial, Once Upon a Time, que contiene este Alive and Kicking, que a mi humilde parecer es la mejor canción de la banda y casi un himno. Llegan al #1 en UK y Top10 en USA.
Tras ello y casi sobrepasados por el éxito adquirido se toman un respiro de tres años, no sin antes terminar la gira de promoción en la que aprovecharían para grabar el álbum de directo Live in the City of Light grabado en París. El disco en vivo, aunque es agraciado en ventas, no logra plasmar el increíble directo de la banda, que cosecha 'llenazos' allá por donde pasa.

El grupo, durante el merecido descanso, se va implicando en problemáticas sociales y se hacen colaboradores activos de Amnistía Internacional. Fruto de esa implicación social es el single Belfast Child (basado en una antigua tonada celta) de su LP de vuelta en 1989, Streets Fighting Years.
El álbum cierra la década y la era dorada de la banda, que tras la deserción definitiva de Mick McNeil pierde un gran activo en la composición. El Lp de 1991, Real Life, muestra una clara decadencia compositiva, pese a apuntes de genialidad como este See the Light:

Los siguientes discos (Goog News from the Next World, The Promised, Neapolis...) no aportan demasiado al bagaje de éxitos, y aunque la banda sigue viva hoy día sin parar de participar en todo mega-concierto que se organice, las mayores ovaciones se las llevan por supuesto los éxitos de los '80. De cualquier modo, treinta años continuados de hits, 25 LP's contando los recopilatoris y directos, y más de 35 millones de discos vendidos a lo largo de su carrera, hacen de ellos una de esas formaciones que entran por la puerta grande en el Olimpo de las Leyendas.
Como curiosidad, decir que aunque siga al frente del grupo, Jim Kerr hace ya años que huyó de la lluviosa Escocia para trasladarse a Taormina, en Sicilia, donde es copropietario del hotel Villa Angela.

La música que me gusta #31: ABC

Ya hemos comentado alguna vez la pasión ochentera por los nombres de grupos raros. Una sección de esos nombres 'escogidos' es la de aquellos grupos que querían a toda costa aparecer los primeros en cualquier enciclopedia del pop. Casos flagrantes son los de los grupos 'A' y 'A1', pero da igual lo que hagan, en el 90% de los libros el primer grupo es ABBA seguido de ABC (otros lo han intentado por el final, caso de 'XTC' o 'ZZ Top').
A finales de los 70 Martin Fry dirigía en Sheffield una revista local titulada Modern Drugs. En uno de sus números decidió entrevistar al grupo Vice Versa, formado por Stephen Singleton y Mark White que pronto deciden reclutarle como teclista y rebautizan el grupo como ABC. La deserción del cantante antes de grabar nada hace que Fry deje el teclado para coger el micrófono.

ABC - Tears Are Not Enough

Su sonido New Wave-Romantic (además del palpable parecido de Fry con Brian Ferry) hace que Trevor Horn se fije en ellos y les produzca en 1981 el single Tears are not enough, que alcanzó el Top20 británico.
El batería David Robinson también abandona el grupo y es sustituído por David Palmer para grabar el álbum debut Lexicon of Love. Dado que el baile de miembros en la banda es más que notable a lo largo de su carrera (hasta un total de trece) diremos que los únicos miembros 'fijos' son Fry y Palmer, e incluso desde los '90 únicamente Fry. El resto serán obviados para evitar bostezos.

Lexicon of Love ve la luz ya en 1982, es sin duda su mejor álbum y logra colocar tres de sus temas en el Top10. De hecho está considerado como uno de los mejores 100 de la historia de la música británica.

De ahí en adelante se van sucediendo LP's y miembros en calidad descendente y así lo demuestran las ventas, su sonido pasa de álbum en álbum del Synthpop al Rock guitarrero pero sin perder la estética New Romantic.
Tan solo un éxito memorable desde entonces a nuestros días. En 1987, después de que Fry se recuperara de una 'enfermedad de Hodgkin' (agravada o causada por una interminable gira de 150 actuaciones) graban el LP Alphabet City que contenía un tema homenaje a Smokey Robinson, When Smokey sings:

Aún siguieron sacando álbumes y reemplazando miembros hasta los '90, pero el éxito lo han vuelto a obtener en nuestros días, cuando Palmer y Fry se han reunido para hacer una gira tocando los viejos éxitos de Lexicon of Love.

La música que me gusta #30: Talk Talk

Fueron muchas las voces que intentaban, allá por 1981, ligar de alguna manera a Talk Talk con Duran Duran. Cierto es que había varias semejanzas -aparte de la iteración de sus nombres-, ambas eran bandas británicas, New Wave Romantic, que compartían sello discográfico (EMI) y productor (Colin Thurston), pero la evolución de Talk Talk fue bastante distinta.
El grupo se formó en Londres en 1981 cuando Mark Hollis deja su grupo The Reaction y conoce por mediación de su hermano, el productor Ed Hollis, al batería Lee Harris, al bajista Paul Webb y al teclista Simon Brenner. Juntos grabaron varios singles en Island Records hasta que les fichó la EMI y les intentó redirigir hacia sonidos más 'románticos' de la mano del productor de Duran Duran, Kajagogo o The Human League: Colin Thurston.

Juntos sacarían el prime álbum The Party's Over, que por motivos de presupuesto tendría claras influencias del synth-pop; y es que es mucho más barato tocar cualquier instrumento musical pulsando las teclas de un sintetizador que contratar a un instrumentista profesional.
El álbum pese a todo dio sus frutos y algunos de sus singles, como este Today, sonaron en la radio el tiempo suficiente como para que la discográfica se animase a producirles un segundo LP pese al abandono del teclista Brenner. Para sustituirle fichan al que sería el cuarto miembro no oficial del grupo: Tim Friese-Green, poli-instrumentista, productor y a menudo co-autor con Hollis de los temas.

En 1984 sacan su segundo LP, It's My Life. El sonido de la banda ha evolucionado y mejorado tanto en composición como en letras, poco a poco van acercándose a su ideal de grupo. El single Such a shame conseguiría el número uno en Italia y Suiza, Top20 en casi el resto de la Europa continental, USA y Canadá, pero paradójicamente fue ignorado un su UK natal. Lo mismo pasaría con el siguiente sencillo que se titula igual que el disco, It's my life, que sonaría por las radios de medio mundo con bastante éxito

No sería hasta su tercer LP, The Colour of the Spring, de 1986, que conocieran el éxito en el Reino Unido. Es su 'mayor' álbum de estudio, EMI ha visto el potencial y les deja mano ancha en el presupuesto, lo que les hace prescindir de sintetizadores y apostar por un sonido más 'orgánico'. El tema Life's what you make of it coloca el disco entre los diez más vendidos en UK. La gira les lleva incluso a nuestro país como vemos aquí:

Dado el éxito obtenido la banda decide tomarse un año para grabar su cuarto LP, y para ello se van a una iglesia abandonada de Suffolk. La discográfica está escamada porque durante todo ese año no tiene noticias de los progresos y razón no les faltaba. El resultado es Spirit of Eden, sin duda el mejor álbum de la banda, el más maduro, atmosférico e introspectivo. La crítica lo adora por su combinación de jazz y música espiritual, pero carece por completo de 'comercialidad'. Tan es así que el crítico músical Mark Cooper define el disco como "la clase de disco que alienta a los hombres de marketing a suicidarse" porque no hay cómo promocionarlo. EMI se molesta y lo publica dentro de una de sus firmas menores, Parlophone.
El álbum es casi una entidad más que una reunión de canciones y eso hace que la banda decida no sacar single de promoción. La productora, por contra, decide sacar por su cuenta y sin contar con el apoyo del grupo el sencillo I believe in you, lo que provocaría que la banda les llevara ante los tribunales y ganara, pero desde entonces en los contratos que las bandas firman con buena parte de los grandes sellos discográficos se especifica que la música que compongan debe ser 'comercial' para ser grabada.

El grupo tras el juicio y como era de esperar, rompe su relación con EMI y firma -sin Webb, que abandona- en 1990 su quinto y último álbum de estudio Laughing Stock, que ve la luz en 1991 y bajo el sello menor de Verve, una firma menor de Polydor. El sonido es aún más oscuro que Spirit os Eden, debido sobre todo a que el hueco que deja Webb es rellenado por dieciséis instrumentistas a los que se les pide que improvisen. Como era de esperar, el álbum fue un fracaso absoluto de ventas.
La firma de Talk Talk por otra discográfica hace que EMI reedite sin su permiso los singles It's my life y Life is what you make of it y que editara un álbum recopilatorio con versiones remezcladas: History Revisited. Esto provoca que se vuelvan a ver en los tribunales y la banda vuelva a ganar haciendo que la discográfica tuviese que retirar el álbum y destruir sus copias.
Tras ello el grupo se separa, Webb y Harris se reencuentran en O'Rang y Hollis guarda siete años de silencio hasta que en 1997 publica un álbum como solista titulado como él mismo y en el que nadie reparó. Salvo alguna colaboración esporádica no se ha vuelto a saber nada de él.

La música que me gusta #29: Johnny Hates Jazz

Poco hay que decir de los londinenses Johnny Hates Jazz, pues como banda no es que tuviesen mucho recorrido discográfico, tan solo dos álbumes de los cuales el segundo no llegó a pisar las listas de ventas de ningún país. Pero empecemos por el principio.
Clark Datchler, cantante, teclista e imagen del grupo era hijo de un saxofonista de jazz y ya había grabado algún single en solitario en 1984 sin éxito. En 1986 se une a Calvin Hayes y al germano/americano Mike Nocito (con ese apellido no quiero ni pensar la de collejas que se hubiese llevado en la infancia si hubiese vivido en España) para formar Johnny Hates Jazz y llaman así al grupo por Johnny, el cuñado de Mike, que odiaba el jazz.
Aunque grabaron un primer single con RAK Records, Me and my foolish heart que pasa desapercibido, no sería hasta finales de ese mismo 1986 cuando el sello Virgin les contrata tras oirles en un concierto -irónicamente en un club de jazz-. Así producen su segundo sencillo que sí que les llevaría a las listas de éxitos: Shattered Dreams

Supongo que por idea de la discográfica, de casi todos los singles que sacan, graban dos videoclips diferentes, uno para Europa (en color habitualmente) y otro para América (en blanco y negro).
Shattered Dreams es un éxito (#5 en UK, #2 en USA y también en Japón) y anima a la discográfica a seguir produciéndoles singles.

El grupo tiene potencial, saben mezclar con estilo funk, R&B, Sophisty-pop y jazz y aunque es cierto que parte del éxito se basa en la imagen de Clark Datchler es innegable que tienen calidad propia más allá de los flequillos rubios. De hecho pasan buena parte de 1987 inmersos en una promoción sin fin de un single tras otro por todos los programas musicales de radio y televisión.

Los siguientes singles volverían a ser Top20: I Don't Want to Be a Hero (UK #11, US #31), Turn Back the Clock (UK #12), y Heart of Gold (UK #19), por lo que en enero de 1988 los reúnen todos en su primer álbum I don't want to be a Hero que pronto alcanzaría el #1 en ventas.
Pero ya comentábamos el corto recorrido de la banda y es que antes de grabar el segundo álbum, Tall Stories, Datchler abandona el grupo. Le sustituye un viejo amigo, Phil Thornalley, que ya les había escrito aquel primer single pre-Virgin Me and my foolish heart y que además de producir algún tema de Prefab Sprout entre otros también había sido bajista con The Cure.

Aun así su momento parece haber pasado. Debido en parte a la ausencia de Datchler (que además de imagen y voz era el principal compositor de temas) y también por haberse "quemado" cara al público con tanta promoción en el primer álbum, el segundo LP no pisaría las listas de ventas ni sus singles las de éxitos.
En 1991 tras un grave accidente de Hayes el grupo se separa y la buena noticia es que recientemente hicieron un conciero de reunión de Nocito, Hayes y un nuevo vocalista, Danny Saxon, que les fue lo suficientemente bien como para provocar una gira que ha abarcado los años 2008 y 2009.

La música que me gusta #28: Dexy's Midnight Runners

Formados en Birmingham en 1978 como Dexedrine, Kevin Rowland y Kevin "Al" Archer, decidieron cambiar el nombre del grupo antes de grabar nada por el de Dexy's Midnight Runners en referencia a la "energía" que les daba la dexedrina para aguantar toda la noche de farra.
El duro caracter de Rowland pronto se hizo valer y al grito de "solo hay espacio para un Kevin en este grupo" rebautizó a su compañero como "Al". Incluyeron nuevos miembros a la banda para grabar su primer single bajo el sello Oddball Records, Dance Stance, que alcanzaría un discreto #40 en el chart británico.

Mantener económicamente una banda de ocho miembros (Kevin Rowland, "Al" Archer, "Big" Jim Paterson, Jeff "JB" Blythe, Steve "Babyface" Spooner, Pete Saunders, Pete Williams, Bobby "Jnr" Ward, a los que se unen Andy Leek y Andy "Stoker" Growcott) es cuando menos difícil, por lo que dicen la malas lenguas que parte del material que usaban era 'sustraído' de las tiendas por Rowland. Una joya de chavalote.
Pronto pasaron a engrosar las filas de EMI y en 1980 llegan al número uno de las listas con su segundo single Geno (en referencia al cantante de Rithm&Blues americano Geno Washington)

A la hora de grabar su primer LP, Searching for the Young Soul Rebels, no se ponen de acuerdo en el reparto de beneficios y los miembros del grupo secuestran las cintas maestras de las grabaciones para forzar a Rowland a renegociar su contrato. Una vez llegados a un acuerdo editan el disco que gracias al single There, there my dear, alcanza un magnífico nivel de ventas. Pero como no podía ser de otro modo habría de venir Rowland a liarla, empeñándose en sacar como siguiente single el tema Keep It Part Two (Inferiority Part One) pese a la oposición del grupo que no veían que fuese una canción comercial.

No les faltaba razón: el single hizo que se hundieran las ventas del disco y las tensiones dentro del grupo son ya insalvables. La mayoría de los miembros abandona la formación. Solo quedan Rowland y Paterson y ha de ser éste último el que tuviera que llamar a Billy Adams, Seb Shelton, Micky Billingham, Brian Maurice, Paul Speare y Steve Wynne para volver a tener grupo.
Ya re-formados graban en 1981 los singles Plan B, Show me y Liars A to E sin apenas éxito. En 1982 reclutan a tres violinistas (Helen O'Hara, Steve Brennan y Roger MacDuff) para grabar lo que sería su segundo álbum Too-Rye-Ay, en el que mezclan el soul con sonidos celtas. Su primer sencillo The celtic soul brothers, apenas obtuvo repercusión, pero con el segundo, Come on Eileen, alcanzarían la fama más allá de sus fronteras y sería el single más vendido en UK en 1982.

Paterson, Speare y Maurice sienten que su aportación al grupo está siendo disminuída por el grupo de violinistas y deciden abandonar la banda y formar The TKO Horns. Rowland se ve obligado a contratar ejecutantes para la gira en la que estaban inmersos. Tras un parón de dos años en 1985 graban el tercer LP Don't Stand me Down, pero en otro más de sus alardes incomprensibles, Rowland decide no sacara ningún sencillo para promocionarlo. El fracaso era previsible. Para cuando quisieron sacar un single, This Is What She's Like, ya era tarde para evitar el batacazo comercial.
El grupo se disuelve y Rowland saca un disco en solitario en 1988, The Wanderer, que no obtiene el favor de la crítica ni del público. Tras pasar los años noventa inmerso en problemas financieros y de adicción a las drogas, intenta reformar el grupo con Paterson más de una vez hasta nuestros días pero sin resultados.
En 2005 Rowland anunció que volvían al estudio de grabación, pero se debieron perder por el camino por que a día de hoy no han sacado nada nuevo. Una lástima.

La música que me gusta #27: Talking Heads

El germen del grupo se remonta al año 1974 en la Escuela de Diseño de Rhode Island, Providence, en la que coinciden David Byrne, Chris Frantz y Tina Weymouth y forman un grupo llamado The Artistics. Apenas un año después deshacen el grupo aunque se trasladan los tres a vivir a un apartamento en New York. Chris y Tina son pareja y ante la dificultad de encontrar un bajista para un nuevo grupo Chris convence a Tina para que aprenda a tocar el bajo escuchando los discos de Suzi Quatro. Con Tina como bajista vuelven a reunirse esta vez con el nombre de Talking Heads en referencia a los rostros que aparecen en la tele dando las noticias, que no son más que cabezas parlantes "todo contenido. Nada de acción" en palabras de Tina.
En 1975, sin haber grabado álbum previo son invitados por The Ramones para ser teloneros en su gira. Tras grabar unas maquetas para la CBS que les rechaza e incorporar a Jerry Harrison a la guitarra y teclados, firman en 1977 por Sire Records y sacan su primer LP Talking Heads: 77, que apenas es reconocido. Sería en 1978, con su segundo álbum More Songs About Buildings and Food , con el que empezarían una larga y provechosa relación con el productor de Roxy Music y David Bowie: Brian Eno.

Esta versión de Take me to the river, original de Al Green, es la que les empieza a abrir las puertas del éxito y en la que ya se presenta el sonido Talking Heads: Bases electrónicas potentes pero sin dejar el rock en las guitarras. Ambiente New Wave y Post-Punk. Marcados golpes de ritmo con la guitarra y la bateria, aliñados por la increíble voz underground de Byrne; unido a sus histriónicas interpretaciones, casi performance, crearían la etiqueta de un sonido inconfundible que marcaría de forma indeleble la década de los 80.

Talking Heads - Once In A Lifetime

Tras el LP de 1979 Fear of Music, en el que exploran los fraseos más oscuros del Post-Punk, graban en 1980 su cuarto álbum Remain in Light, en el que incluyen, por mediación de Brian Eno, a Fela Kuti, un músico Afro-Beat nigeriano con el que exploran los poliritmos africanos. El single Once in a lifetime alcanza el #20 en UK pero apenas encuentra repercusión en su USA natal.
A la vez que encadenan dos giras, cada uno graba trabajos en solitario, todos dentro de la compañía Sire Records.Ésto, unido al hecho de haber grabado cuatro álbumes en apenas cuatro años hace que la banda decida tomarse unas 'vacaciones' de tres años.

Talking Heads - Burning down the house

En 1983 graban, ya sin la producción de Eno, el álbum Speaking in Tongues cuyo primer single, este Burning down the house, les daría el único Top10 americano de su vida discográfica.
La relevancia de los videoclips de la banda en su éxito es notable y la MTV los emite una y otra vez. Percatados de ello contratan a Johnatan Demme para que les produzca un documental durante la que sería su última gira. El documental llevaría por título Stop Making Sense, que originaría un álbum homónimo de éxitos en directo editado en 1984.

Talking Heads Road to Nowhere

En 1985 ve la luz el LP Little Creatures. Es el principio del fin, el creciente protagonismo de David Byrne tanto en lo musical como en lo personal va haciendo mella en el resto del grupo. El single Road to Nowhere se haría particularmente famoso en España por su hoy risible versión publicitaria de los vaqueros Lois (Lo que mas molaaa, modaaaa Lois. Si tienes la edad suficiente puede que un escalofrío de ridículo te haya recorrido la espina dorsal al recordarlo. No te culpes, es normal. Si quieres rematar la jugada dale al play al video pequeñito:)

En 1986 la banda produce un álbum que es la banda sonora de la película dirigida por el propio Byrne True Stories, que apenas encuentran repercusión en el mercado. Tanto Little Creatures, como True Stories son una 'involución' hacia sonidos del pop americano, alejándose de los poliritmos aricanos que dieron fama al grupo y que retomarían en 1988 en su último LP como banda, Naked, sin éxito.

Talking Heads Wild Wild Life

Tras ello el grupo se separa y cada uno emprende camino en solitario con diversidad de éxitos. Byrne ha seguido grabando LP's en solitario hasta hoy, con más pena que gloria, todo hay que decirlo. Harrison ha producido temas para grupos como Fine Young Cannibals, No doubt o Crash Test Dummies. Franzt y Weymouth, tras haberse casado ya en 1977 y haber formado el dúo paralelo a Talking Heads, Tom Tom Club, ha seguido grabando álbumes de forma intermitente hasta nuestros días sin éxito salvo un par de hits en el extranjero.
En 1996 se reune el grupo sin Byrne y producen un LP titulado No Talking, Just Heads bajo el nombre de The Heads con colaboraciones como Debbie Harry de Blondie o Shaun Ryder de los Happy Mondays. El nombre del grupo hizo que Byrne les interpusiera una demanda que lógicamente no ayudó a la ya fría relación entre él y el resto del grupo.
Aunque en 2002 se reunieron para el concierto de apertura de Rock and Roll Hall of Fame, todos se mostraron esquivos cuando se les preguntó por una posible gira de reunión.

One Hit Wonder #15: Dead or Alive

Aunque formados en 1980 en Liverpool, no se dieron a conocer al gran público hasta 1983 cuando versionaron -sin que hubiese necesidad- el That's the way (I like it) de KC and the Sunhine Band.

El resto de su primer LP, Sophisticated Boom Boom, no es mejor que el single debut, pero por suerte para ellos para su segundo album se acogieron a los míticos productores Mike Stock, Matt Aitken y Pete Waterman, entonces casi desconocidos y grabaron su segundo álbum Youthquake, que contenía este You spin me round. Con él alcanzaron el #1 inglés (siendo además el primer hit con el sello Stock, Aitken and Waterman)

Hoy en día siguen en activo pero nunca han vuelto a repetir el éxito de 1985. Recientemente, como ya hemos visto casos, el You spin me ha sufrido -nunca mejor dicho lo de sufrir- una versión perpetrada a manos de Flo-Rida, que lo ha vuelto a llevar a las pistas de baile con éxito. Yo, para no variar me sigo quedando con el original.

La música que me gusta #26: Frankie Goes To Hollywood

Aunque el nucleo del grupo ya habían tocado juntos como una banda punk llamada Sons of Egypt por los pubs de Liverpool a finales de los '70, en 1980 leyendo el New Yorker Magazine, vieron la noticia Frankie goes to Hollywood junto a una foto de Frank Sinatra, por lo que el cantante Holly Johnson tuvo claro cual debía ser el nombre del grupo.

En Octubre de 1983, auspiciados por el productor Trevor Horn salió a la luz el que posiblemente sea uno de los temas 'emblema' de la década: Relax! Que aunque al principio se posicionó en un discreto #40, la actuación del grupo en el programa Top Of The Pops el 5 de enero de 1984 les hizo subir directamente al #6. Pero el gran espaldarazo les llegaría una semana después.
El 11 de enero de 1984, el mítico locutor de la BBC Radio 1, Mike Read, puso el disco en antena y a medida que iba sonando se fijó en la portada (demasiado sexual para su gusto) y escuchando la letra de la canción. En un momento dado, rabioso tras tanto gemido erótico y tras escuchar la palabra "come" (correrse) quitó el disco a media canción y escenificó, tras una recordada homilía, como lo rompía en pedazos y lo tiraba a la papelera. El disco estaba oficialmente censurado. Únicamente aparecería en el programa de Top40. Obviamente esto incrementó de forma exponencial las ventas que lo colocaron en el #1 en el que permanecería varios meses.
El videoclip original que grabaron en un viejo teatro del East End (no del West End, donde están los teatros 'ricos') también fue censurado por su alto contenido homosexual (ver arriba). De hecho el encargado del teatro paró el rodaje creyendo que estaban grabando una película pornográfica. Tuvieron que rodar otro videoclip, esta vez a las órdenes del director Brian de Palma, para que se pudiera emitir en televisión.

Sin bajarse aún de las listas de éxitos, en mayo de 1984, el grupo saca este Two Tribes, alegato antibelicista menos conocido aquí en España, pero que logra nuevamente escalar las listas hasta el #1, permanecer ahí nueve semanas y vender un millón y medio de copias. Bien cierto es que el éxito de este segundo single se basó además en las afamadas camisetas "Frankie says...." que se convirtieron en el estandarte del verano del 84 en UK. (Por cierto, que el creador de la camiseta, el periodista Paul Morley, prefirió cobrar un único pago a la entrega del diseño en vez de un tanto por camiseta que se vendiera, lo que le hubiese hecho millonario.)

En octubre de 1984 sin haberse caído aún los dos singles de los charts sacan su tercer single, The Power of Love. Una balada que se convertiría en un clásico y que también alcanzaría el #1, haciendo de Frankie Goes To Hollywood el segundo grupo hasta la fecha en conseguir un hat trick de números 1 con sus tres primeros singles. (Los primero fueron Scousers Gerry and the Peacemakers allá por el cretácico).
De ahí en adelante, como siempre, el grupo va en declive y aunque siguen sacando álbumes sin éxito notorio, se terminan por separar en 1987, sobre todo por las disensiones con el cantante, Holly Johnson. En los 90 a Holly le diagnostican VIH y aunque la rumorología ya lo ha matado mil veces a fecha de hoy sigue vivo.

One Hit Wonder #14: Bow Wow Wow

En los años ochenta, que el nombre de tu grupo sonase lo más raro posible, era un valor en alza. Algo así debió pensar en enero de 1980 el productor Malcolm McLaren (el mítico productor de Sex Pistols) cuando convenció a Matthew Ashman, Andy Warren y Dave Barbarossa (guitarra, bajo y percusión respectivamente) a que dejaran Adam & The Ants y formaran Bow Wow Wow junto a la promesa juvenil Annabella Lwin de tan solo catorce años.

El grupo se basa en la voz de Annabella y los ritmos africanos de Dave en los tambores, como es evidente en el caso de este C30, C60, C90 Go con el que se dieron a conocer y que supone un alegato en favor de la piratería musical por medio de cintas de cassette. Lo más curioso es que, no sé si por filosofía de grupo, o por excentricidad del señor MacLaren el primer álbum del grupo Your Cassette Pet (al que pertenece este C30, C60, C90 Go) se editara únicamente en cinta, no en vinilo. De ahí que no vendieran mucho, obviamente.

El éxito les llegaría en 1982 cuando versionaron el I want candy, original de los Strangelove, y que saldría en editada en un Ep llamado The last of the Mohicans. En total grabarían tres álbumes y dos Ep's que van en orden de calidad y originalidad descendente y que haría que se separaran en 1983. Annabella emprendió carrera en solitario pero sin reconocimiento alguno. En 1998 volvieron a reunirse pero tampoco lograron el favor del público más allá de lo anecdótico.

La música que me gusta #25: Aztec Camera

En 1983, tras haber grabado alguna maqueta y algún single en 7", Roddy Frame, Campbell Owens y Dave Mullholand entran en el estudio de grabación para producir lo que sería el primer álbum de Aztec Camera, High land, hard rain. Pero antes de terminar de grabarlo, Dave y Campbel inexplicablemente abandonan la banda dejando a Roddy Frame, con apenas 17 años, al cargo de toda la edición y producción.

No obstante el chaval tenía talento de sobra y supo mantenerse en lo alto de la nueva ola el resto de la década. Este Oblivious se convirtió en el himno indie británico de una generación y le abrió un hueco en las listas oficiales, pero sería Walk out winter el que le haría reconocible más allá de sus fronteras:

Su segundo álbum, Knife, grabado un año después no recabaría ningún éxito por lo que para el tercero, Love, que grabaría en 1987, Roddy optaría por sonidos más comerciales. De él extraería este Somewhere in my heart que le daría fama mundial abriéndole la puerta grande de las listas americanas y escalándolas hasta el #3:

Aún así la década se acababa y con ella su estrella. De los tres álbumes que le quedaban por grabar (Stray en 1990, Dreamland en 1992 y Frestonia en 1995) solo sería reconocible este Good Morning Britain que grabara en 1990 con el guitarrista de los Clash Mick Jones y apoyó buena parte de su éxito en el hecho de que fue la sintonía de un afamado programa de radio durante una temporada.

La música que me gusta #24: Mike + The Mechanics

Al parecer todos los miembros de Genesis a mediados de los ochenta (tras haberse ido Steve Hackett y Peter Gabriel) decidieron alternar el trabajo en el grupo con proyectos independientes: Phil Collins empieza su carrera en solitario -que al principio suena igual que Genesis-, Tony Banks hace bandas sonoras para películas(p.ej.: La Dama Perversa o Quicksilver) y Mike Rutherford forma Mike + The Mechanics junto a Adrian Lee, Peter Van Hooke, y alternándose a las voces Paul Young (nada que ver con el solista Paul Young que casi todos conocen) y el inimitable Paul Carrack.

Se dan a conocer en 1985 con un LP llamado como ellos, Mike + The Mechanics (así, sustituyendo el "and" por el signo "+"), y un primer single, este Silent Running, que llegará al #6 americano. Arrastrarán el éxito hasta el año siguiente gracias a otros dos singles como Take in y All I need is a miracle:

Tras ello se toman un descanso de dos años. Mike vuelve a grabar con los Genesis y Paul Carrack también empieza a grabar discos en solitario.
En 1988 vuelven a la carga con el segundo álbum, The living years, que les depararía más éxito que el primero.

El single homónimo se colocaría en lo más alto en Usa y Canadá y #2 en UK. Lo compusieron el escocés B.A. Robertson y Rutherford sobre la muerte de los padres de ambos y las diferencias entre Rutherford y su padre que no supieron arreglar antes de morir. El tema, gracias a los coros infantiles que le infieren un admirable tono épico, logra conmover y a mi subjetivo parecer es una de las obras más notables del pop-no-bailable de la década.
Tras ello otros dos años de parón para volver cada uno a su grupo de origen y en 1991 vuelven para grabar su tercer álbum, Word of mouth, que pasa casi desapercibido para crítica y público. Desde este momento Paul Carrack empieza a tener mas relevancia en la voz que Paul Young, que casi desaparece del grupo.

Mike & the Mechanics - Over my shoulder

Habrían de esperar hasta 1995 (tras irse Phil Collins de Genesis) para grabar otro álbum de éxito, Beggar on a beach of gold. De él extrajeron este Over my shoulder que junto con Another cup of Coffee hacen de la voz de Carrack una de las mejores de todo el panorama pop-rock del momento, dentro del estilo que se dio en llamar blue-eyed soul (o soul cantado por blancos)

En 1999 publicarían M6, su quinto álbum de estudio (el sexto si contamos el recopilatorio de éxitos que sacaron en 1996. De ahí el nombre.) que tampoco cosecharía ningún éxito. Poco después, el 15 de julio de 2000, el cantante Paul Young moriría de un paro cardíaco. El ahora trío no volvería a grabar hasta 2004, momento en el que editan Rewired en el que apenas repararon crítica ni público.

La música que me gusta #23: Bros

Pónganse casco que vienen curvas. No puedo decir que éste grupo esté entre mis favoritos, desde luego, pero sí que me trae buenos recuerdos y su historia tal vez merezca la pena ser contada.

Bros eran en principio un trío inglés formado por los gemelos Matt y Luke Goss y su amigo Craig Logan, rescatados de la oscuridad -de la que no sé si debieron salir- por el productor Tom Watkins.
Se dieron a conocer en 1988 con este I owe you nothing, que rompió en las listas de éxitos de toda Europa y comenzó el fenómeno fan. A diferencia de las boy-bands de hoy, al menos Bros tocaban y componían ellos -no bien, pero lo hacían-.
Las adolescentes europeas, en especial las británicas estaban locas por ellos. Compraban todos sus discos, la ropa que llevaban, posters, chapas y pegatinas en la carpeta de clase. Incluso, las fans más acérrimas, iban en masa a las tiendas donde compraban Matt y Luke su ropa, a meter papelitos en los bolsillos con la esperanza de que al llevarse las prendas a casa y ponérselas, descubrieran en un bolsillo un papel que pusiera "Hola, soy Jean, te amo y mi número de teléfono es...." o "Desodorante, espuma capilar, Clearasil... " si es que se habían equivocado y metían la lista de la compra.

Como resultado del fenómeno fan, los hermanos Goss empiezan a quemar los réditos que les estaban dando las ventas del LP (Push) en peluquería y moda hasta por encima de sus millonarios límites. Los productores de la BBC lo flipan con el grupo y para cuando se quieren dar cuenta una de sus emisoras ha declarado I owe you nothing como la mejor canción de la historia (o.O). Mientras, Matt y Luke pasan el tiempo entre entrevistas con las fans, sesiones de fotos, posados y -de vez en cuando- pasándose aburridamente por el estudio de grabación para trabajar un poquito en el próximo álbum.

Previendo el fracaso, Craig Logan, el batería, deja la formación y se quedan los dos gemelos solos. Para colmo de males a alguna lumbrera de la discográfica se le ocurre dejarles a ellos toda la responsabilidad de la creación y producción del segundo LP, The time, con el resultado que se puede esperar (a Tom Watkins a poco le da un ictus al escuchar la grabación final).

El disco arrastra el tirón de ventas del anterior causado por las miriadas de fans adolescentes con borrachera de hormonas, pero es de calidad más que discutible. A esto se une el hecho de que, poco después, su hasta hacía poco compañero Craig Logan -antes de casarse con Danii Minogue- les demanda por no haber recibidos la totalidad de los beneficios que se le adeudaban y obviamente gana, dejándoles en la bancarrota.
Aún produjeron un tercer álbum en 1991, Changing faces, que se pasearía discretamente por las listas británicas y absolutamente desapercibido más allá de sus fronteras. Posteriormente ambos probaron suerte por separado, también con nulo éxito y hoy se puede ver a Matt haciendo algún papel en alguna obra del West End, o en alguna película como Blade II (irreconocible):

La música que me gusta #22: Cock Robin

Llamados así por una balada/nana que cantaban antiguamente las niñeras y que se remonta al siglo XVII: The Marriage of Cock Robin and Jenny Wren, los Cock Robin que nos interesan son la banda californiana -de poco recorrido y cercanos peligrosamente al One Hit Wonder- que fundara Peter Kingsbery en 1982.

Salieron al mercado en 1985 con álbum homónimo producido por Steve Hillage que pasaría desapercibido en su USA natal, pero que sí triunfó en Europa. Este When your heart is weak fue #9 en Francia y #8 en Alemania (de España no dispongo del dato, seguramente pésimo, pero sí que recuerdo oirlo en mi tierna infancia en los 40 Principales) y su otro gran single, The promise you made fue #7 en Suiza, #6 en Alemania, #4 en Francia y #1 en Holanda:

Dos años después, en 1987, lo que fuera un cuarteto pasó a ser un dúo, formado unicamente por el líder Kingsbery y la otra teclista/vocalista del grupo Anna LaCazio. Así grabarían el segundo LP After here through Midland, producido por Don Gehman -que ya había trabajado entre otros con John Mellencamp-, y que al igual que en caso anterior obtuvo más éxito en Europa que en Norteamérica, pero que nunca alcanzaría las cotas del primero, lo más destacado un #6 en Suiza con este Just around the corner.

El grupo estaba ya herido de muerte, en 1989 vuelven a entrar en el estudio de grabación para producir -esta vez de la mano de Rhett Davies, productor entre otros de Roxy Music, Genesis, Brian Eno, Robert Palmer...- su tercer álbum First love, last rites, que aunque posiblemente sea el más aclamado por la crítica, desde luego es el menos conocido y el que les rindió menos éxito.

Tan solo este Worlds Apart alcanzaría un modesto #22 en Francia (y cuyo estribillo parece haber 'inspirado' en su día a Joan Osborne para componer su 'One of us'). De hecho, para cuando se edita el álbum el grupo está oficialmente disuelto. Peter se quedaría en Francia intentando formar nuevos proyectos pero sin éxito. En 2006, tras más de quince años silenciados, publicarían el cuarto álbum de Cock Robin, I don't want to save the world sin éxito alguno.

One Hit Wonder #13: Average White Band - Pick up the pieces

Average White Band es una banda escocesa de música disco-soul con toques R&B que, aunque se supone que sigue en activo (con miembros renovados salvo un par de ellos), desde luego nos dejaron lo mejor de su música en la década de los '70. Se dieron a conocer cuando tras grabar un primer álbum ruinoso en lo rentable (Show your hand) Eric Clapton los escoge para ser los teloneros de su gira.
Bruce McCaskill, que era el tour manager de Clapton, se ofreció a ser su manager y les hizo cruzar el charco para grabar en New York el que sería su segundo LP llamado como sus iniciales AWB, aunque se conocería como The white album. El él se incluía este Pick up the pieces que hizo que álbum y single se colocaran en el #1 de las listas americanas. Les siguieron otros álbumes que también entraron en el Top40 pero poco a poco su estrela se fue apagando. Hoy nos queda al menos seguir sorprendiéndonos con la visión de un escocés con su Kilt tocando la guitarra eléctrica para hacer música Disco. Tan inusual como un skin en una biblioteca.

La música que me gusta #21: Deacon Blue

De algún modo en mi subconsciente -algunos dirán que inconsciente no tengo, lo SOY- Deacon Blue y Prefab Sprout son grupos hermanos. Viven juntos en el mismo rincón de la memoria y no por casualidad. Ambos son escoceses, se hicieron famosos a la vez y forman parte de un estilo que se dio en llamar Sofistipop.

En el caso de Deacon Blue, la banda se formó en 1985 cuando el líder Ricky Ross deja su trabajo de profesor en Dundee para trasladarse a Glasgow. En 1986 logran meter un single en un proyecto recopilatorio de grupos prometedores de Glasgow junto a Wet wet wet y Hue and Cry entre otros, y en 1987 graban su primer LP Raintown, en referencia a la ciudad de Glasgow, en el que ya se incluín éxitos como Loaded, Chocolate Girl o este Dignity que les catapultó en las listas de éxitos de media Europa y que cuenta la hitoria en primera persona de un tío que lo ha dejado todo para comprarse un barco, el Dignity, y hacerse a la mar (qué pasa, Perales aquí lo hizo con Un velero llamado Libertad y todos tan tranquilos XD).
Considerado un álbum conceptual dado que todas las canciones parecen hablar de un punto muerto en la vida, la prensa lo etiquetó como "delicado pop otoñal" por la nostalgia y delicada tristeza que destila todo el disco.

Su segundo LP, When the world knows your name, de 1989, en el que se incluye este Real Gone Kid, les llevaría a lo más alto de casi todas las listas europeas -otra vez como a Prefab Sprout, las listas americanas se les atragantan-. Por contra, la crítica les tacha de haberse vendido a sonidos más comerciales en detrimento de la calida artística expuesta en Raintown. Pese al éxito acumulado, y tras casarse Ricky con la vocalista femenina del grupo Lorraine McIntosh, vuelven a grabar álbumes en 1991 y 1993 (Fellow Hoodlums y Whatever you say, say nothing) que sí que obtendrían relativo éxito en UK pero que pasaron bastante desapercibidos más allá de sus fronteras. En 1994 la banda se separa y solo se ha vuelto a reunir para eventos puntuales y más como una reunión de viejos amigos que de vez en cuando graban algo por capricho pero sin repercusión mediática. Larga vida a la "Tristeza del diácono" (mejor que los diáconos azules XD, como lo traducían los Dj's de la época).

La música que me gusta #20: Nik Kershaw

Nicholas David Kershaw, posteriormente Nik (sin'c') aunque nacido en Bristol, se traslada aun joven a Ipswich, Suffolk, donde comienza a trabajar como asistente en la Oficina de Empleo. Durante tres años compaginaría su trabajo con la composición en varias bandas underground de la ciudad hasta que en 1983 MCA Records le ofrece un contrato y graba este I won't let de sun go down on me, que aunque alcanzó más éxito en Suecia (#10) que en UK (#47) le sirvió para darse a conocer.

Su facilidad para la composición y su pretendida imagen de ídolo adolescente para adolescentes -aunque a mi parecer su estilismo incite a la inmolación colectiva- le abre las puertas de una fama tan efímera como fructífera.

Fama que vendría sobre todo de la mano de su éxito de 1984 Wouldn't it be good, uno de esos temas que nunca falta en los discos recopilatorios de los '80 y cuyo videoclip, con ese traje de Chroma, hace hoy día rechinar los dientes al más pintado. La canción alcanza el #4 en UK y Top10 en buena parte de Europa incluída España y le permite incluso reeditar su single anterior I won't... que alcanzaría esta vez el #2 en las listas inglesas.
Aupado por el éxito de su primer álbum, Human Racing, se lanza a la composición del segundo, The Riddle.

Años después declararía que fue el principio de su divorcio con la discográfica porque "no le tomaban en serio". De hecho las voces de su primer single, este The Riddle, las grabó como guía orientativa de lo que debía ser el tono y la letra finales, aún por rematar. No obstante los productores decidieron por él que así estaba fantástico y así han quedado para la posteridad. De cualquier modo el tema llegó al Topten en varios países y tras extraerle otros dos singles, el álbum se convirtió en Disco de Platino. Desde entonces su carrera se ha basado más en los éxitos de otros que en los suyos: Nik Kershaw es el guitarrista del éxito de Elton John, Nikita, así como el compositor del tema que haría de Chesney Hawkes un One Hit Wonder, The one and only:

En 1999 volvió a dar señales de vida, con un look irreconocible (ver imagen debajo), para declarar que estaba harto de que otros artistas malograran sus temas y que volvía a componer para sí mismo, de hecho ha vuelto a grabar un par de álbumes que han pasado absolutamente desapercibidos para el público en general.